Programmation, Résidences et Archives

Fenyx Florentiny est un.e artiste martiniquais.e en arts visuels, actuellement étudiant.e à la maîtrise à l’UQAM. Sa pratique hybride, enracinée entre la Martinique et le Québec, s’inspire des pensées queer, décoloniales et écoféministes. Iel crée des écosystèmes sensoriels où le corps devient lieu d’archives, de rituels et de réappropriation. Assemblage, contamination, échec et soin guident ses recherches transdisciplinaires, mêlant performance, expérimentations, son et vidéo. Sa pratique investit les marges, les interstices et les frontières comme lieu fertile de création, transformant l’espace d’exposition en terrain d’expérience partagée.

Fenyx Florentiny is a visual artist from Martinique, currently pursuing a master’s degree at UQAM. Their hybrid practice, rooted between Martinique and Quebec, is inspired by queer, decolonial, and ecofeminist theories. They create sensory ecosystems where the body becomes a place of archives, rituals, and reappropriation. Assemblage, contamination, failure, and care guide their transdisciplinary research, combining performance, experimentation, sound, and video. Their practice invests in margins, interstices, and borders as fertile places for creation, transforming the exhibition space into a terrain of shared experience.

Caroline Douville est une artiste et une commissaire basée à Montréal. Elle est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia et termine actuellement un certificat en muséologie à l’Université du Québec à Montréal. Issue de la diaspora haïtienne de deuxième génération, elle étudie la culture haïtienne et son influence sur la culture populaire locale et mondiale. Elle tente de démystifier les processus cognitifs par lesquels les membres de la diaspora interrogent leur identité lointaine et comment ils la relient à leur localité. Plus spécifiquement, Douville s’intéresse à la manière dont l’internet peut servir d’outil pour faciliter cette recherche en donnant accès à un vaste éventail de contenus. En mettant l’accent sur la peinture, le dessin et l’installation, son travail présente une tension entre la fiction et la réalité en interrogeant la façon dont la technologie influence notre perception visuelle dans la vie de tous les jours. Douville a exposé au Canada et à l’étranger, notamment au Centre Clark à Montréal (2022), à Afternoon projects à Vancouver (2022) et à New Image Art à Los Angeles (2022).

Caroline Douville is an artist and curator based in Montreal. She holds a BFA from Concordia University and is currently completing a Certificate in Museology at the Université du Québec à Montréal. Born into the second-generation Haitian diaspora, she studies Haitian culture and its influence on local and global popular culture. She attempts to demystify the cognitive processes by which members of the diaspora interrogate their distant identity and how they relate it to their locality. More specifically, Douville is interested in how the Internet can serve as a tool to facilitate this search by providing access to a vast array of content. Focusing on painting, drawing and installation, his work presents a tension between fiction and reality, questioning how technology influences our visual perception in everyday life. Douville has exhibited in Canada and abroad, including at the Centre Clark in Montreal (2022), Afternoon projects in Vancouver (2022) and New Image Art in Los Angeles (2022).

Craig Commanda est un artiste multidisciplinaire Anishinaabe de la Première nation de Kitigan Zibi, qui travaille dans les domaines du cinéma, de la musique, du perlage, de la poésie, de la photographie, de l’artisanat traditionnel, du tannage des peaux et de la fabrication numérique. Il est également titulaire d’un baccalauréat en production cinématographique de l’Université Concordia. Son travail a été projeté à Imaginative, Wairoa Maori, Maoriland, Kurtzfilmtage en Suisse, et plus encore. Il est un artiste professionnel qui expose son travail de perles (Galerie SAW, OAG, Galerie d’art contemporain Pierre François Oullette, Foire Plural, Art Toronto, Montreal Arts Contemporain, Biennale Révélations – France). Il travaille actuellement à Montréal/Mòniyang.

Craig Commanda approche le travail sculptural du métal pour la première fois avec cette série réalisée lors de sa résidence à L’atelier la Coulée en 2024-2025.  Ses deux premières pièces sont moulées à partir de vertèbres d’orignal, et il trouve ensuite son inspiration dans le livre Mī iyoejikenindameng Chīnāgo, nongom ashidj wābang (Our knowledge, yesterday, today and tomorrow) qui rassemble des outils et objets précieux ayant été rendus à la communauté Anishinabe de Kitigan Zibi par le National Museum of the American Indian à Washington, D.C. 

 »We are Anishinabeg. Our objects have power and meaning and are evidence of our strong culture. Around 400 precious items from our community are housed at the National Museum of the American Indian in Washington, D.C. Our heart is in our objects. If they could talk, would they say they have felt isolated and separated from our community? We have been out of touch with these objects for almost 100 years. We need them more than any museum, scholar, researcher, or interested individual. We will gather strength. Our community’s health and overall wellbeing is dependent on reconnecting with our cultural heritage and artefacts. It is my hope that our community will gain inspiration in viewing these objects. These objects will strengthen our identity. Our treasures have been on quite the journey. Welcome Home! »

Craig Commanda décide de reproduire quelques un de ces outils dans une démarche de connection avec sa culture et avec ces savoir-faire ancestraux. Le changement de matérialité vers le bronze fait échos à cette tradition de confection d’outils fabriqués pour durer à travers le temps, transmis d’une génération à l’autre. Il recréé deux outils de tannage, traçant un lien avec la lignée de tanneurs et tanneuses dans sa famille, ainsi qu’avec sa pratique du tannage au sein du collectif Buck Skin Babes. Il s’intéresse à ce  objets faits de peaux tannées qui deviennent précieux et signifiants en raison de leur fabrication qui requière des heures de travail minutieux accompli en communauté. Avec en tête cette idée du temps passé avec les objets, Craig décide d’investir sa résidence à faire exister ces outils dans une nouvelle matérialité. Ils n’ont plus leur fonction originale d’outils, mais agissent maintenant comme des porteurs de sens chargés de mémoire collective. 

–

Craig Commanda is an Anishinaabe multi-disciplinary artist from Kitigan Zibi First Nation, working in film, music, beadwork, poetry, photography, traditional crafts, hide tanning, and digital fabrication. He also holds a BFA in Film Production from Concordia University. His work has been screened at Imaginative, Wairoa Maori, Maoriland, Switzerland’s Kurtzfilmtage, and more. He is a professional exhibiting beadwork artist, (SAW Gallery, OAG, Pierre François Oullette Contemporary Art Gallery, Foire Plural, Art Toronto, Montreal Arts Contemporain, Revelations Biennale – France). Now he currently bases his practice in Montreal/Mòniyang.

Craig Commanda approaches sculptural metal work for the first time with this series created during his residency at L’atelier la Coulée in 2024-2025.  The first two pieces are made from moose vertebrae, then Craig Commanda found inspiration in the book Mī iyoejikenindameng Chīnāgo, nongom ashidj wābang (Our knowledge, yesterday, today and tomorrow), which brings together precious tools and objects that were returned to the Anishinabe community of Kitigan Zibi by the National Museum of the American Indian in Washington, D.C. 

 »We are Anishinabeg. Our objects have power and meaning and are evidence of our strong culture. Around 400 precious items from our community are housed at the National Museum of the American Indian in Washington, D.C. Our heart is in our objects. If they could talk, would they say they have felt isolated and separated from our community? We have been out of touch with these objects for almost 100 years. We need them more than any museum, scholar, researcher, or interested individual. We will gather strength. Our community’s health and overall wellbeing is dependent on reconnecting with our cultural heritage and artefacts. It is my hope that our community will gain inspiration in viewing these objects. These objects willstrengthen our identity. Our treasures have been on quite the journey. Welcome Home! »

Craig Commanda decided to replicate some of these tools as a way of connecting with his culture and ancestral knowledge. The change in materiality to bronze echoes this tradition of crafting tools made to last over time, passed down from one generation to the next. He recreated two tanning tools, drawing a link with the line of tanners in his family, but also with his practice of tanning within the Buck Skin Babes collective. He was inspired by objects made of tanned skin, which are precious and meaningful because their creation requires hours of work carried out in community. With this idea of time spent crafting in mind, Craig decided to invest his residency in bringing these tools to life in a new material form. They no longer serve their original function as tools, but now act as carriers of meaning charged with collective memory.

Amanda Roy est une citoyenne de la nation Anishinaabek originaire de la communauté de Buzwah, qui fait partie du territoire non cédé de Wiikwemkoong sur l’île Manitoulin. Elle a participé à divers projets cinématographiques, télévisuels et numériques, dans des rôles variés, qui ont été diffusés dans le monde entier. Elle a passé plusieurs années dans le nord du Québec à aider des élèves du secondaire à apprendre la production de jeux vidéo, tout en voyageant dans plusieurs communautés pour soutenir le projet de réalité virtuelle Cree Syllabics, un programme d’apprentissage de l’écriture syllabique en langue crie dans un environnement virtuel immersif et interactif.

Elle a commencé à travailler le métal il y a plusieurs années en se concentrant sur le cuivre et a récemment achevé une résidence d’artiste à Aayuraa Studio à Iqaluit avec Mathew Nuqingaq. Amanda est également lauréate du prix Reveal Indigenous Art Award de la Hnatyshyn Foundation et boursière du programme Diversity of Voices de Netflix-BANFF. Ses œuvres ont été exposées dans des lieux tels que le Smithsonian Institute, le Berkeley Art Center, le Royal Alberta Museum, le Whyte Museum, le Prince of Wales Northern Heritage Centre et la Galerie Shé:kon.

Amanda Roy is a citizen of the Anishinaabek Nation from the community of Buzwah, which is a part of Wiikwemkoong Unceded Territory on Manitoulin Island. She has worked on various film, tv, and digital media projects in various roles that have screened worldwide. She spent several years living in Northern Quebec assisting secondary students with learning video game production while traveling amongst several communities supporting the Cree Syllabics Virtual Reality Project-a program for learning Cree syllabics in an immersive and interactive virtual environment. 

She started working with metal several years ago with a focus on copper and recently completed an artist residency at Aayuraa Studio in Iqaluit with Mathew Nuqingaq.

Amanda is also a Hnatyshyn Foundation Reveal Indigenous Art Award Laureate and a Netflix-BANFF Diversity of Voices Fellow. Her work has exhibited in spaces such as the Smithsonian Institute, the Berkeley Art Center, the Royal Alberta Museum, the Whyte Museum, the Prince of Wales Northern Heritage Centre, and Galerie Shé:kon.

Toko Hosoya est une artiste Japonaise-canadienne qui travaille présentement à Tiohtià:ke (Montréal) et à Tkaronto (Toronto). Elle est récemment diplômée de l’Université OCAD, où elle a suivi une formation en fonderie, en gravure et en dessin.

Sa pratique prend forme à travers un éventail de médiums et explore souvent une approche de la narration basée dans l’objet et l’espace. S’inspirant de matériaux et d’environnements banals, ses œuvres puisent dans les périphéries du quotidien pour y trouver des fantaisies. Ses travaux récents abordent les notions de lieu, d’histoires matérielles et de structures involontaires.

Toko Hosoya is a Japanese-Canadian artist currently working in Tiohtià:ke (Montreal) and Tkaronto (Toronto). She is a recent graduate of OCAD University, where she received training in bronze-casting, printmaking, and drawing.

Her practice takes shape across a range of media and often experiments with an object and space-based approach to storytelling. Drawing inspiration from mundane materials and surroundings, the works dig for fantasies found in the peripheries of the everyday. Her recent work considers notions of place, material histories, and unintentional structures.

Dog Strangling Vine, Toko Hosoya, 2024, Bronze et gravure sur papier
Crédit Photo : Toko Hosoya

 »I wanted to create a sculpture that expresses the tension of something bursting through a restraining force. I cast a fine rope in bronze – at less than 1/4”, it is thinner than what is typically recommended to try to cast, but it was able to make it through with the help of Antoine and Lola. 

I later created a paper sculpture guided by the bronze form. I used a material formulated by the artists Masumi Rodriguez and Elena Kirby: a paper pulp made from dog-strangling vine, a local « invasive » plant harvested from Mont Royal. The final sculpture contains etchings on the inside. »

 »Je voulais créer une sculpture qui traduise la tension d’un élément qui transperce une force restrictive. J’ai coulé une fine corde en bronze – moins de 1/4 de pouce, soit plus fine que ce qui est généralement recommandé pour la coulée, mais j’ai réussi à la couler avec l’aide d’Antoine et de Lola.

J’ai ensuite créé une sculpture en papier en m’inspirant de la forme en bronze. J’ai utilisé un matériau mis au point par les artistes Masumi Rodriguez et Elena Kirby : une pâte à papier fabriquée à partir de lierre du Canada, une plante « envahissante » locale récoltée au Mont Royal. La sculpture finale comporte des gravures à l’intérieur. »

 Earth Moving, Toko Hosoya, 2024, Bronze et gravure sur papier
Crédit Photo : Toko Hosoya

 »During my residency, I was fortunate enough to take a class on mould making with Anne-Sophie Vallée. I borrowed the textures from asphalt to make this bronze sculpture that holds a fifteen panel drawing. »

 » Pendant ma résidence, j’ai eu la chance de suivre un cours sur la fabrication de moules avec Anne-Sophie Vallée. J’ai emprunté des textures sur de l’alsphalte pour réaliser cette sculpture en bronze qui soutient un dessin composé de quinze panneaux. »

Toko Hosoya has made this zine  »Gating » on their residency experience learning the lost wax casting process.

Toko Hosoya a fabriqué ce zine  »Gating » comme témoin de son expérience de résidence et d’apprentissage des techniques de la fonte à la cire perdue.

Aziza Nassih (née à Casablanca, Maroc) est une artiste multidisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal. Sa pratique se concentre présentement sur la revitalisation des langues autochtones, les mémoires collectives, la suppression des patrimoines culturels et la décolonisation. Par le biais de travaux de fonderie, d’installations et d’œuvres textiles qui invitent au rapprochement et à l’introspection, elle étudie les traces et les artefacts qui marquent les expansions coloniales, les langues dormantes et les déplacements de populations.

Elle a participé à diverses expositions collectives, notamment au Musée des beaux-arts de Montréal (2022), au Musée d’art actuel – Département des Invisibles (2021) et à la Galerie UQAM (2019).

Aziza Nassih (b, Casablanca, Morocco) is a multidisciplinary artist based in Tiohtià:ke/Montreal.  Her practice is currently focused on the revitalization of indigenous languages, collective  memories, cultural erasure and decolonization. Through foundry work, installation and textile  works that invite connection and introspection, she investigates the traces and artifacts marking  colonial expansions, dormant languages and the displacement of populations.

She has participated in various collective exhibitions, notably at the Montreal Museum of Fine Arts  (2022), Musée d’art actuel – Département des Invisibles (2021) and Galerie UQAM (2019). 

Tifinagh, Aziza Nassih, 2023, bronze et cire

 »Ces pièces sont inspirées de l’alphabet Tifinagh standard utilisé pour écrire les langues Tamazight parlées en Afrique du Nord. Le système d’écriture libyque serait daté de l’âge de bronze et préservé par les Touaregs. Ces langues sont en processus de revitalisation depuis la fin du 19e siècle. Pour ces pièces, j’ai recouvert les lettres yah ⵀ, yaḥ ⵃ, yaʕ (yaɛ) ⵄ et yaz ⵣ de textiles récupérés. La cire provient du burn out (décharge) dans le processus de fonderie à cire perdue.

Comme prémisse, j’investigue les artefacts historiques qui marquent les territoires et les mouvements de population. Ces marqueurs, qu’ils soient architecturaux, linguistiques (proverbes, devises, alphabets) ou liés aux mythes, conditionnent notre rapport à l’autre. Ce n’est qu’en les dénouant et en les réinterprétant à travers les mémoires personnelles qu’ils révèlent leur potentiel de transformation. Ces éléments sont fondamentaux pour les questions qui m’intéressent : les questions relatives aux populations marginalisées, la résilience des peuples autochtones Amazigh et les [re]lectures de l’histoire. »

 »These pieces are inspired by the standard Tifinagh alphabet used to write the Tamazight languages spoken in North Africa. The Libyan writing system dates back to the Bronze Age and has been preserved by the Tuaregs. These languages have been in the process of revitalization since the end of the 19th century. For these pieces, I covered the letters yah ⵀ, yaḥ ⵃ, yaʕ (yaɛ) ⵄ and yaz ⵣ with reclaimed textiles. The wax comes from the burn out (discharge) in the lost-wax foundry process.

I search for historical artifacts that mark territories and opulation movements. These markers, whether architectural, linguistic (proverbs, mottos, alphabets) or related to myth, condition our rapport with others. It is only through their unravelling and reinterpretation by personal and collective memories that these artifacts reveal their potential for transformation. These issues are central to my questions around marginalized communities, the resilience of Indigenous peoples, and [re]readings of history. »

Kosisochukwu Nnebe (elle, née en 1993) est une artiste conceptuelle, une chercheuse et une écrivaine canadienne neurodiverse d’origine nigériane dont la pratique s’inspire de penseurs-euses féministes noir-es et postcoloniaux tel-les que Frantz Fanon, Edouard Glissant, bell hooks et Sylvia Wynter. Entre l’installation et les arts médiatiques, en passant par la sculpture, Nnebe s’engage sur des sujets qui vont de la politique de la visibilité, de l’incarnation et de la spatialité des Noirs à l’utilisation des modes alimentaires et du langage comme contre-archives de l’histoire coloniale. La pratique de Nnebe s’intéresse à la construction d’un monde anticolonial et impérial par le biais d’actes de solidarité (humaine et autre), de la remise en question des logiques coloniales et de (ré)imaginations spéculatives d’autres passés, présents et futurs. Artiste autodidacte, Nnebe a suivi une formation en économie et en étude des inégalités à l’Université McGill et à la London School of Economics, ainsi qu’une formation professionnelle en politique sociale, économique et environnementale dans le cadre de son travail au sein du gouvernement fédéral canadien, ce qui lui permet d’aborder sa pratique artistique en s’appuyant sur la recherche et en visant le changement social.

Kosisochukwu Nnebe (she/her, b. 1993, Nigeria) is a neurodivergent Nigerian-Canadian artist, writer and researcher. Working across installation, lens-based media and sculpture, Nnebe engages with topics that range from the politics of Black visibility, embodiment and spatiality to the use of foodways and language as counter-archives of colonial histories. At its core, Nnebe’s practice is interested in anti-colonial and -imperial world-building through acts of solidarity (human and otherwise), the troubling of colonial logics, and speculative (re)imaginings of otherwise pasts, presents and futures.

A self-taught artist, Nnebe’s educational background in economics and the study of inequalities from McGill University and the London School of Economics, as well as professional background in social, economic and environmental policy through her work with the Canadian federal government all inform her approach to her art practice, which is research-based and geared toward social change.

Ihe anyị hapụrụ (‘that which we leave behind’ in Igbo), Kosisochukwu Nnebe, bronze, 2022.
Crédits photos : Kosisochuwku Nnebe

« À travers le temps et l’espace, le bronze a symbolisé le pouvoir et l’influence – tout le contraire des petits accessoires de coiffure fabriqués à bas prix que je portais, comme tant d’autres, lorsque j’étais enfant. Mis à l’échelle à l’aide de la numérisation et de l’impression 3D, ces accessoires capillaires en bronze reflètent une tentative de reconsidérer ce que nous valorisons et qui nous valorise, ce que nous choisissons de nous rappeler et de commémorer, et les héritages que nous laissons derrière nous. Dans un acte d’afrofuturisme spéculatif, Ihe anyị hapụrụ est le début d’un nouveau corpus d’œuvres dans lequel je construis lentement ma propre chambre funéraire en tant que future ancêtre, remplie d’objets en bronze qui deviendront les artefacts de ma propre existence en tant que fille nigériane et maintenant femme grandissant dans la diaspora. De ce qui nous a été donné, nous avons la possibilité de choisir ce que nous laisserons derrière nous. »

Ihe anyị hapụrụ (‘that which we leave behind’ in Igbo), Kosisochukwu Nnebe, bronze, 2022.
Crédit photos : Kinga Michalska

Corie Waugh is a queer, working class, jewish interdisciplinary artist based in Tiohtia:ke (Montréal). She holds a BFA from the University of British Columbia and is enrolled in a Vocational program in welding. In summer 2020, she presented a solo show of sculptural works, Repeat it back to me/Répétez-le moi, with Post-Place-Publique in Montreal. In March 2021, they were selected by Canada Council for the Arts for supporting their efforts to create an archive of familial oral histories to work from on future projects which later that year he pursued during an artist residency at La Coulée. Here is where she was introduced to working with bronze and other metal work. Corie works across foundry arts, earthen construction, and painting. Waugh engages with themes of identity creation, social reproduction, domestic and state violence, desire and sexuality through embodiment practices.

Corie Waugh est une artiste queer, issue de la classe ouvrière et juive, basée à Tiohtia:ke (Montréal). Elle est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université de Colombie-Britannique et suit actuellement une formation professionnelle en soudure. À l’été 2020, elle a présenté une exposition solo de sculptures, Repeat it back to me/Répétez-le moi, avec Post-Place-Publique à Montréal. En mars 2021, elle a été sélectionnée par le Conseil des arts du Canada pour soutenir ses efforts visant à créer des archives d’histoires orales familiales qui serviront de base à de futurs projets, qu’elle a poursuivis plus tard dans l’année lors d’une résidence d’artiste à La Coulée. C’est là qu’elle s’est initiée au travail du bronze et d’autres métaux. Corie travaille dans les domaines de la fonderie, de la construction en terre et de la peinture. Waugh aborde les thèmes de la création de l’identité, de la reproduction sociale, de la violence domestique et étatique, du désir et de la sexualité à travers des pratiques d’incarnation.

The series « Material Memory » embodies a methodological approach rooted in both the tangible and the archival. To create this series, I worked from self-made family archival materials, a project supported by Canada Council for the Arts (2021), where I recorded oral histories and candid memories through video conferencing technology and in-person interviews. Working with the stories and personal memories to guide the themes of the works and through the interplay of painting and sculptural metal frames I sought to convey layers of personal and collective experience that shape intergenerational trauma informed by carceral capitalism.

La série « Material Memory » incarne une approche méthodologique ancrée à la fois dans le tangible et dans l’archivistique. Pour créer cette série, j’ai travaillé à partir de documents d’archives familiales que j’ai moi-même constitués, un projet soutenu par le Conseil des arts du Canada (2021), dans le cadre duquel j’ai enregistré des récits oraux et des souvenirs grâce à la technologie de vidéoconférence et à des entretiens en personne. En m’appuyant sur ces récits et ces souvenirs personnels pour guider les thèmes de mes œuvres, et à travers l’interaction entre la peinture et les cadres métalliques sculpturaux, j’ai cherché à transmettre les différentes couches d’expériences personnelles et collectives qui façonnent le traumatisme intergénérationnel induit par le capitalisme carcéral.

Priya (iel) est un-e artiste multidisciplinaire et écrivain-e queer, originaire de la Californie du Nord qui passe d’un médium à l’autre pour exprimer ses pensées et sentiments changeants. Priya a peint et écrit toute sa vie, mais ces dernières années, iel est entré-e dans le monde de la sculpture et cherche actuellement des opportunités pour développer ses compétences dans le travail du métal. Explorant les thèmes de l’existence et de l’absurdité, Priya continue de s’engager dans un dialogue critique qui remet en question sa participation au monde qui nous entoure.

Priya (they/them) is a Queer multidisciplinary visual artist and writer from Northern California who moves between mediums to express their changeable thought and feel. Priya has been painting and writing their whole life, but in the past few years has entered the world of sculpture and is currently seeking opportunities to develop their skills in metalwork. Exploring themes of existence and absurdity, Priya continues to engage in critical dialogue that questions their participation in the world around us.

Room of Reckoning (2025) est une cabine hexagonale fabriquée en acier brut, qui contient six miroirs sur les murs intérieurs. Cette pièce offre à ses participant-es la possibilité d’explorer l’honnêteté radicale et le travail de l’ombre. Cette pièce n’est pas une étude de l’isolement, mais une étude du choix et du privilège.
L’enquête sur soi est personnelle à chacun. Où se situe la limite entre l’autoréflexion et le narcissisme? Quand la réflexion devient-elle insu- laire, obsessionnelle, égocentrique?

En tant qu’opprimé-es, pouvons-nous nous asseoir avec notre douleur, notre guérison, nos réalités? Pouvons-nous être avec nous-mêmes afin de contrecarrer la violence, la haine de soi, les vérités mal interprétées que nous recevons? Nous engageons-nous à faire face à la vérité selon laquelle notre propre mal peut se transformer en mal pour les autres? Nous engageons-nous dans la voie permanente de la décolonisation de nos corps, de notre esprit, de nos pensées, de nos actions? En tant qu’oppresseur-es, pouvons-nous accepter la vérité, même si elle
est en conflit avec la nôtre? Pouvons-nous différencier nos intentions de notre impact? Entendons-nous nos réflexions honnêtes, nos choix, notre effet sur les autres, ou choisissons-nous de nous dérober à la vue? Comptons-nous sur les autres pour excuser notre comportement ou nous excusons-nous nous-mêmes? Pouvons-nous ralentir et écouter? Pouvons-nous nous décentrer? Nous engageons-nous dans la voie permanente de la décolonisation de nos esprits et de nos façons d’être, de bouger, de prendre place dans le monde?

Il est possible d’être à la fois l’opprimé-e et l’oppresseur-e. Comment s’asseoir avec cette vérité?

Room of Reckoning is a hexagonal capsule fabricated from raw steel, holding six mirrors on the walls of its interior. This room provides its participants the opportunity to explore radical honesty and shadow work. This room is not a study of isolation, but a study of choice and privilege. Self-inquiry is personal to each. Where does the fine line appear between self-reflection and narcissism? When does reflection become insular, obsessive, self-serving?
As the oppressed, can we sit with our pain, our healing, our realities? Can we be with ourselves in order to counteract the violence, the self-hatred, the misconstrued truths that we receive? Do we engage in facing the truth in that our own harm can transmute to harming others? Do we commit ourselves to the ongoing path of decolonizing our bodies, our spirit, our thoughts, our actions?
As the oppressors, can we sit with the truth, even if it conflicts with our own? Can we differentiate our intentions from our impact? Do we hear our honest reflections, our choices, our effect on others, or do we choose to evade our sight? Do we count on others to excuse our behavior or do we excuse ourselves? Can we slow down and listen? Can we de-center ourselves? Do we commit ourselves to the ongoing path of decoloniz ing our minds and our ways of being, moving, taking up space in the world?

It is possible to be both the oppressed as well as the oppressor. How do we sit with this truth?

Le 19 octobre 2024, nous avons lancé l’invitation de venir participer à la création d’une sculpture collective qui embellira le terrain du Bâtiment 7 pour les années futures. Nous avons appellé notre communauté à faire des empreintes dans les sables que notre équipe a ensuite remplies de bronze en fusion devant le public! Ces empreintes devaient représenter quelque chose que les participant-es souhaitaient conserver pour le futur. Les tuiles crées lors de cette activité formeront la sculpture collective.

Ce zine est né du désir de réunir des archives des débuts de L’atelier la Coulée – des premières rêveries d’une fonderie ouverte à toustes aux visites des grands espaces vides bétonnés du Bâtiment 7, dans lesquels on ressentait encore fortement son histoire industrielle.

Nous voulions ici mettre en valeur les savoir-faire et les riches idées de chacun-e des contributeur-ices de ce projet, qui font toustes partie de la communauté qui s’est formée autour de l’atelier par un amour commun du «faire soi-même». C’est une célébration de tout ce travail qui a dû être raccordé bout à bout pour nous permettre de voir aujourd’hui La Coulée remplie d’artistes qui s’empuissancent à travailler le métal.

Ce zine a été réalisé par le comité de programmation, composé de Laurie Magnan, Athanasia Blounas, Eva-Loan Ponton Pham, Aziza Nassih, Laura Kassar, Antoine Caron, Gabrielle Girard et Camille Blais, et le graphisme a été réalisé par Gabrielle Godbout.

Version numérique du zine

Le 6 novembre 2024 a débuté l’exposition ALLIAGES : Exposition rétrospective à la Galerie Popop au Belgo. Cette exposition a rassemblé une série d’oeuvre qui ont été fabriquées à L’atelier la Coulée au fil des années et donne à voir la richesse des pratiques artistiques qui se sont déployées chez nous. Ancien-nes artistes en résidences, membres fondateur-trices, professeur-es, usager-ères, ces artistes nous révèlent les histoires sociales et politiques qui traversent la matière et qui la chargent.

Artistes : Rita Adib, Athanasia Blounas, Antoine Caron, Maude Lauzière-Dumas, Yen-Chao Lin, Aziza Nassih et Kosisochukwu Nnebe